Revista Crónicas de Arte y Arquitectura.

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El Mercado del Arte Global

Escrito por arkisanchez 17-10-2018 en Subasta. Comentarios (0)

Estimados bloggers: -Arte es una actividad humana de creación, transmisión de profundas emociones que nos pueden alegrar o entristecer.-

Refirió el maestro y economista Rafael Matos Moctezuma durante el IV Modulo “El Comercio del Arte” del “Programa de Actualización para Profesionales del Arte, en la Biblioteca Pública “Jesús Corral Ruiz de Ciudad Obregón.

También experto perito valuador, director y propietarios de la Galería de Arte y Casa Subastadora Rafael Matos inaugurada en 1985 en el Distrito Federal, Indicó sobre lo que es o no es arte del pasado y contemporáneo y mostrando obras de pintura, escultura, gráfica, fotografías y a  los artistas mejor cotizados en la actualidad. Dando como ejemplo la obra “Cabeza de Toro”, de Pablo Picasso creada en 1938, considerándolo el mejor artista del siglo XX. (Del cual no estoy de acuerdo)

-En el medio del arte hay un creador, un emisor, un receptor público… Es necesario un contexto sin importar el tema pero que emociones a los que están en el medio porque el arte no es para todos. Hay artistas trasmisores de emociones como el dolor en los autorretratos de Frida Kalho y no necesariamente necesitan ser bellas como las “Señoritas de Avignon” y “La Garnica”, de Picasso… Tiene que haber una voluntad creativa y compromiso con las obras de arte ya que éste no se explica ni se enseña sino se siente.- Afirmó, con mucha experiencia en la subasta de arte.

-El arte es una inversión  en manos de un galerista que compra por emoción y el sentir del arte… La antigüedad tiene un mercado de objetos de uso cotidiano hechos antes de la Revolución Industrial en 1750 y en México “La Chacharra”.-

Cómo es muy extensa la información, se generalizara en la temática tratada como las artes decorativas, el arte popular, la gráfica, artesanía y las Artes Visuales ya que según Pablo Picasso las Bellas Artes desaparecen en su tiempo.

Refirió al universo lógico del arte como es la naturaleza, el valor monetario de las obras y los artistas mejor cotizados donde se contempla el valor de la mercancía en primario significando su primera puesta en venta en galería de arte y el precio de reventa por una galería o casa subastadora, el de reserva y el de adjudicación o venta final añadiéndose la comisión, el impuesto de venta y otros más.

-¿Qué impulsa el valor del arte?-

Se preguntó, para responder: -El reconocimiento del artista en el mercado, la acumulación del capital, la supremacía del arte chino y ruso en el mundo, la adquisición y  manipulación del comercio del arte por todos.- Mostrándonos el precio de las obras de Sofía Bassy y de Francisco Toledo cotizado en 300,000.00 dólares algunas de sus obras.

Enseñó a valorar y ponderar obras a partir del precio de venta de los catálogos de las casas subastadoras como  Sotheby´s y Christie´s de Londres y Nueva York y la López Morton y Rafael Matos en la Ciudad de México para obtener un precio de adquisición.

Recomendando la especialización en uno a seis artistas, como él, experto en José Clemente Orozco y Frida Kalho para obtener objetividad y probidad.

Abordó los temas del dictamen de autoría que por Ley de Derechos de Autor sólo pueden ser emitidos por el artista o sus herederos, mencionando el caso del maestro Héctor Martínez Arteche y su hija Alina, directora de la Dirección de Artes Visuales del Instituto Sonorense de Cultura y organizadora del diplomado dentro del marco del Festival de la Imagen, Foto Sonora 2018, para el gremio de hacedores locales.

Continuó las enseñanzas con los Certificados de Autenticidad de las obras, la circa o fecha de ejecución, la fungibilidad e indexar, a hacer peritajes, avalúos y el valor de compensación. Como ejercicio didáctico, ponderamos la obra “Betsy, Desnudo en rosa” de Raúl Anguiano, realizada en 1964 y con precio de venta de 16, 700.00 dólares, encontrándonos con la novedad de tener una depreciación en este año. Señaló a Cindy Sherman como la fotógrafa más cara del mundo al cotizar su obra en 195,000.00 dólares.

Trató el comercio y robo de obras  religiosas, católicas la mayoría, en pintura y escultura Nohispano como la pintura de la Virgen de Guadalupe, la más vendida, arcángeles, ángeles, Cristo, niños Dios y santos; tomando como ejemplo al pintor Miguel Cabrera y su retrato de Sor Juana Inés de la Cruz. Incluyendo otras no religiosas, populares, retrato y los ex votos como los coleccionados por Carlos Monsiváis y Frida Kalho.

Le indiqué que en la Catedral de la Asunción está “La Pasión” de este pintor.

Mencionó que las obras más caras son hechas al óleo sobre tela y nos instruye en una detallada lista de pigmentos usados en la obra mural al fresco y otras técnicas usadas desde el siglo XVI.

Nos llevó por pasajes  de la Real Academia de San Carlos, de la crítica de arte, la Escuela Mexicana de Pintura, del arte antiguo y que para 1900 se abandona lo europeo y se pinta lo mexicano y que  la galería Carolina Amor fue la primera inaugurada con la Exposición Internacional Surrealista con pinturas de André Bretón y Adolfo Best en 1935.

La falsificación de obras como las de Rufino Tamayo y Diego Rivera son las más  solicitadas, aclarando que el robo y el comercio ilegal de obras religiosas y prehispánicas son penalizado por ley federal, así como las obras que no pueden venderse fuera del País son las de los artistas: José María Velasco, Saturnino Hernán, Diego Rivera, David  Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Dr. Atl, Frida Kalho, Remedios Varo y María Izquierdo.

Finalmente refirió la firma de la pintura y que en el arte contemporáneo  ha habido un auge en la compra desmesurada de obras de arte a precios millonarios de artistas chinos, rusos, japoneses, europeos y norteamericanos muy bien cotizados  como Baskiat o Wharhol y que las ventas de las subastadoras son extraordinarias  sumando miles de millones de dólares al año.

Como despedida le comenté que en Ciudad Obregón estamos “Meando fuera del hoyo” por los ridículos precisos con lo que se vende mis acuarelas del Realismo Mágico y cocinas de hacienda y si juntásemos a todos los hacedores de arte locales no alcanzaríamos a ganar ni el uno por ciento de las estratosféricas millonadas de dólares en el comercio del arte actual. Sería mejor dedicarnos al arte contemporáneo de inflar globos y esparcir basura en alguna galería para su exhibición y venta. 

Rafael Matos Moctezuma experto valuador y subastador de obras de arte.

Martínez Ceballos instruyendo los aspectos del modulo “El Comercio del Arte”.

-¿Qué impulsa el valor del arte?- Pregunta el maestro Rafael Matos Moctezuma.

Respondiendo una pregunta del público asistente.

Carmina Alcalá, Dora Luz Sarmiento, María Mercedes Pérez Pliego, Rosa Isabel Vásquez y Gladis Félix.

“Betsy” obra ponderada como material didáctico del módulo.

Clausura del modulo por Alina Martínez y el maestro Rafael Matos Moctezuma.

Fotografía  por Francisco Sánchez López.

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Apuntes para la Historia del Arte en Sonora: Arte Franciscano.

Escrito por arkisanchez 01-06-2018 en Franciscano. Comentarios (0)

Estimados bloggers: “El discurso plástico de los misioneros franciscanos en las Bellas Artes, artes decorativas, utilitaria y escénicas son un extraordinario legado cultural del período Arte Colonial Español y Novohispano expresado entre 1768-1831 en Sonora”. Asegura el arquitecto e investigador, Francisco Sánchez López, durante informal plática al respecto en  un restaurante por la avenida Náinari de Ciudad Obregón.

 ¿En qué consistió ese gran arte franciscano? Se le preguntó para ilustrarnos.

-Primero hay que conocer al ser humano que lo creó, ya que los frailes franciscanos fueron muy cultos y diestros en la ciencia y las artes europeas y Novohispanas de su época, planificadores de ciudades renacentistas, constructores de la arquitectura barroca que decoraron con un fantástico arte sacro en iglesias de Sonora, Arizona, la Baja y la Alta California. Enseñaron el oficio de pintar al óleo o témpera, esculpir piedra, tallar madera, fundir bronce para campanas y parafernalia religiosa.-  

¿Cómo llegaron al estado de Sonora?

-Los primeros frailes fueron capellanes del capitán Hernán Cortés en la conquista y en la fundación de la Nueva España, asistieron a varias expediciones del siglo XVI por el estado y en 1768, fray Diego García y 14 más frailes de Querétaro y Jalisco asumen la posesión del territorio y los bienes de los pueblos jesuitas en las provincias de Ostimurí, Sonora y Pimería Alta al ser expulsada la Orden de Jesús en 1767 por ordenanza del Rey Carlos V de España.-

¿Cuál fue el concepto artístico si usted ya lo definió?

-Su arte fue en base a una espiritualidad para crear su estética religiosa naturalista y católica un tanto didáctica para enseñar la religión entre los indígenas e inspirada en los “Canticos de las Creaturas”, “Las Florecillas del Señor San Francisco” y otras oraciones de san Francisco de Asís, fundador de La Orden Franciscana.-

-Pero, el padre jesuita Charles Pulzer, afirma: “Fue arte catequístico en Sonora por mostrar la doctrina cristiana con formas y figuras dibujadas representando el sufrimiento de Cristo, la Virgen María, un Dios único, el Cielo y el Infierno”.

¿Cuál fue su iconografía plástica?

-La más emblemática fue el Cordón Franciscano de tres nudos, la  Cruz de Custodia en portadas y el Cristo de San Damián, la Santísima Trinidad, la vida y pasión de Jesucristo, la Virgen María en su advocación de la Inmaculada Concepción, San José, santos patronos, escenas bíblicas y el binomio Dios-Demonio. Expresadas en obra mural al fresco sobre paredes, bóvedas y domos, con bajo relieves de estuco o yeso y trabajos de yesería. En pintura de caballete con dibujo antiguo y técnica al óleo; en esculturas de bulto en madera o piedra para decorar retablos y pilas bautismales que me imagino fueron magníficas obras del arte colonial sonorense.-

-Muchas de ellas por autores anónimos traídas desde la Capital de la Nueva España o de los Colegios de Querétaro y Jalisco y se ignora si fueron creadas por maestros y alumnos de la Real Academia de San Carlos donde se enseñaba pintura, grabado y escultura en los estilos barroco, romanticismo y neoclasicista.-

-Inclusive si fueron pintadas por diestros nativos que anteriormente usaban pintar sobre piel de animales de caza con técnica poco conocida. O si hay obras de los pintores Juan Correa, Miguel Cabrera, Antonio de Torres, Francisco Martínez, Nicolás Guerrero o José de Páez o de Juárez.-

¿Algún ejemplo de obra mural que podamos apreciar?

-Las figuras basadas supuestamente en el Apocalipsis de San Juan con una Virgen con querubines y un ángel; el demonio, una persona indígena con serpiente en manos, otras de formas zoomorfas y un sol pintadas en color café, azul, gris y negro y encontradas bajo capas de mortero o lechadas de cal  en el templo de San Diego de Alcalá de Pitiquito; en la parroquia de Álamos se encontró pintura al mármol en muros del altar y una cenefa azul.-

Hay obras en Cocospera con diseños en matices rojo, amarillo, azul y gris; otros en San Xavier del Bac, Caborca, Tubutama, Opedepe y  Oquitoa. El Cristo de San Damián se puede observar en la parroquia de la comisaría de Esperanza y la imagen de la Virgen María con serpiente en sus pies en el templo de San José de Guaymas.-

¿Cuál fue su área de influencia?

Los franciscanos construyeron tres iglesias originales in situ: San Ignacio de Caborica, San Xavier del Bac, Calabazas y la primera catedral de Nuestra Inmaculada Concepción de Álamos, diseñada por el arquitecto Juan Ross para el obispo Antonio María de los Reyes en 1786.-

-Reconstruyeron más de 30  iglesias o templos con  plantas cruz latina, pórticos de entrada y torres campanario en fachadas, altar mayor y laterales en capillas decorados con retablos. Usaron ladrillo recocido y mortero de cal, cúpulas y domos “a cal y canto” terminándolas al estilo Barroco, Ultra Barroco y Barroco Estípite. Los primeros retablos fueron pintados sobre tela, después hechos en yeso y de madera tallada natural o pintada con hoja de oro al estilo churrigueresco.-

-La Purísima Concepción de Caborca; San Diego de Alcalá en  Pitiquito; San Ignacio de Sonoitag,  Santa Gertrudis del presidio de Altar, San Antonio de Oquitoa, San Francisco de Atil, San Pedro y San Pablo de Tubutama, Santa Teresa, los Santos Ángeles de Guevavi,  San Valentín de Bizani y del Saric.-

-Nuestra Señora de los Dolores, Remedios, Santa María Magdalena, San José de Imuris, Nuestra Señora del Pilar y Santiago de Cocospera, Santos Reyes de Cucurpe, Opedepe, del Pitic, La Candelaria de Villa de Seris, San Antonio de Padua, San José de Guaymas, San Pedro y San Pablo de Aconchi,  Nuestra Señora de Loreto en Banámichi, Bayoreca, Macoyahui, Tepahui, Tórim, Pótam, Ráhum, Huírivis. En Arizona, San Cayetano de  Tumacácori,  San José del presidio de Tucson y Santa María de Tucson,  Sumaca, la del Bac y Calabazas.

¿Cuál fue su permanencia en el estado?

-Lamentablemente, tuvo un período entre 1768 hasta la secularización de las iglesias en 1824 y la expulsión de los frailes españoles en 1831.-

¿Cuál es el  estado de conservación de este arte sacro?

 Desdichadamente, muchas de las iglesias están desaparecidas y otras en ruinas o remodeladas dañando el arte antiguo al ser cubierto por capas de pintura de cal o con plomo en décadas posteriores.-

-Es loable la intervención del Instituto Nacional de Antropología e Historia-Sonora porque en el país son Monumentos Históricos protegidos y en Arizona Monumentos Nacionales. Al respecto recuerdo el incidente entre el antropólogo Castillo y el muralista Héctor Martínez Arteche al ser expulsado por intervenir en la obra mural sin autorización, durante la restauración de los murales en Pitiquito en 1985.-

¿Se tienen catálogos o colecciones de este arte?

Claro, el Instituto Nacional de Antropología e Historia-Sonora tiene el Catálogo de Arte Sacro de Sonora con más de 700 bienes y está el proyecto de Protección de Bienes Muebles Históricos en Recintos Religiosos de Sonora y hace una década, una extraordinaria colección de pinturas y objetos del templo de la Purísima Concepción de Álamos exhibida en el efímero Museo de Arte Sacro por el presbítero Antonio Becerra Cetina. 

Retablo remodelado del templo de San Diego de Alcalá en Pitiquito.

Virgen de la Inmaculada Concepción pintada por Esteban Murillo.

Virgen pintada en la temática del Apocalipsis de San Juan, de apariencia similar a la anterior.

Figura de un indígena con serpiente en manos.

Figura de un ángel.

Figuras de querubines. 

Crédito: Foto 2 tomada de es.Wikipedia.com. Resto del antropólogo  Mauricio Manat restaurador de los murales en San Diego de Pitiquito por el Instituto Nacional de Antropología e Historia.

Fotografía  por Francisco Sánchez López.

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“Los Arquitectos Plásticos del Arte Moderno en Guadalajara 1960

Escrito por arkisanchez 02-02-2018 en Escultura. Comentarios (0)

Estimados blogges: Continuamos con el apasionante tema de las Bellas Artes en la ciudad de Guadalajara describiendo en esta ocasión a la generación de 1967 que inició su formación académica en la Escuela  y Facultad de Arquitectura ubicada en la fantástica Barranca de Huentitan; fuente de inspiración para pintar, fotografiar e impregnarse de sensibilidad para la creatividad artística por su belleza.

En ella estuvieron los alumnos  tapatíos, Felipe Covarrubias,  diseñador gráfico y promotor de arte; Alejandro Colunga, famoso pintor y escultor; José Hernández Claire, galardonado fotógrafo; José Luis Hernández Sánchez, Carlos Muños Botello y “El Wash”; excelentes acuarelistas paisajistas y de la arquitectura. Y Sergio Zepeda, el primer artista del Arte Objeto.

Los sonorenses, Zacarías Páez, reconocido pintor visual nogalense; el pintor guaymense, Alí Vargas Real; Gilberto Valenzuela, empálmense; Enrique Soto, (+)  con sus magníficas perspectivas exteriores acuareleadas, artista de la armónica y guitarra, Francisco Sánchez López, reconocido pintor del Realismo Mágico y fotógrafo, ambos cajemenses del barrio de la Capilla de Guadalupe; Salvador Avilés, con fantásticas acuarelas; Miguel Ángel Valenzuela, de la ciudad de Los Mochis; el colega Castro, de Guasave y Héctor Zavala, de la ciudad de Mexicali,  en perspectiva y acuarela entre otros de los 250 alumnos de primer ingreso.

En el Museo Costumbrista de Álamos, al esperar la apertura de la exposición “Reconocimiento Facial”, platicamos con el homenajeado, arquitecto Zacarías Páez sobre el movimiento del Arte Moderno en Guadalajara y los alumnos dedicados a la fotografía, pintura y escultura en forma tangencial a la carrera de Arquitectura.

Cuando incurrimos en el Arte ya estaban los “Arquitectos Plásticos”, como Erick Coufal diseñador del Teatro Experimental con su formidable escultura, ¿Qué puede opinar? Se le preguntó, para romper el hielo de la conversación.

 -Tuvo un diseño muy avanzado y es una gran obra, esas influencias recibimos como estudiantes que nos llevaron a ti como arquitecto y a mí como pintor.-

¿Se acuerda de los motivos escultóricos monumentales diseñados por arquitectos?

-Sí, el “Pájaro Amarillo” del arquitecto Mathias Goeritz en el cruce de las vías de un fraccionamiento. Y la obra de Gonzales Cortázar que tiene mucha influencia de él y al arquitecto Alejandro Zohn, alumnos de Goeritz y al compañero arquitecto Felipe Covarrubias, creador de la carrera de Diseño Gráfico, del logotipo del Club Deportivo Atlas, tuvo la primera galería formal  “La Genta” y fue corredor de Arte Latinoamericano exponiendo obras de artistas mexicanos en Argentina.-

¿Se acuerda quienes fueron los maestros que tuvimos en Arquitectura?

-Fueron arquitectos traídos de Europa como Horst Hartung Frans, doctorado en Arquitectura de Alemania; Silvio Alberti Levati y Bruno Cadore, italianos y el ingeniero inglés  de Matemáticas  que fue el calculista estructural del edificio Empire State en la ciudad de Nueva York, siendo aún pasante;  Leopoldo Fernández Font y el maestro de todos, el arquitecto Mathías Goeritz que si bien no nos impartía clases, los maestros de Diseño  Arquitectónico nos acercaron a su pensamiento.-

-Tuvimos la fortuna de ser condiscípulos  de Alejandro Colunga,  Alí Vargas y del pintor que nos daba charlas sobre pintura. La mayor influencia fue por alumnos estudiosos que manejaban todas las tendencias arquitectónicas. ¡Fue sensacional!

¿En cuales teorías diseñó su Arquitectura?

-En realidad, mi pensamiento era de ser pintor, aunque trabajé 10 años en el despacho del arquitecto Leopoldo Fernández Font. Entré a la carrera porque desde que llegué a Guadalajara en 1965 me introduje a la comunidad artística y me hice amigo de Colunga. El maestro Caracallas me invitaba a dar clases en la Escuela de Artes Plásticas pero al conocer  el trabajo de Gilberto Valenzuela me entusiasmé para entrar a Arquitectura.-

¿Cómo vio el Movimiento Moderno  de Guadalajara en el que usted participó?

-La obra del arquitecto Luis Barragán tuvo una influencia en todos los arquitectos egresados de la Universidad de Guadalajara. Estaban los pintores Héctor Navarro, Servín, Matute, Vargas, el escultor Gabriel Flores y maestro de  pintura que nos hacia utilizar la imaginación con sus “Valorios”, escuchando música de los Beattle como la canción “Con y sin ti” que influyó mucho en mí.-

-También estaba Alejandro Colunga con su realismo que nació siendo un extraordinario dibujante. Como gestor le organicé su primera exposición en la “Galería 8 de Julio”, propiedad de una pareja de artistas norteamericanos. Presentó un cuadro con un enano de Goya en Guadalajara con tratamiento de Velázquez porque tenía esa genialidad. Fue una locura y todo un suceso en la sociedad porque vendió casi todas las obras la misma noche de la inauguración. 

Posteriormente pintó a “Santa Inocencia”, reliquia de la catedral. Importante cuadro tipo Renacimiento que vivimos en Guadalajara porque había mecenas,  eventos y grandes maestros de Arquitectura.

¿Fue en los años en que andaba pintando sus famosos “magos”? 

Le conocí proyectos, estas pinturas y su escultura en Puerto Vallarta y en la Plaza Tapatía.

-Colunga fue del estilo Fantástico, el primer dibujo que vi de él sentí su madurez porque  a sus 18 años era ya un maestro, era ya Colunga. En mi despacho realizó un dibujo de “Superman”, no el de los comics, sino un “Superman volando de Colunga”  y  el creciendo en fuerza su expresión.-

-Me platicaban Leopoldo y Fernando que cuando se graduaron, la post fiesta fue en la Plaza Liberación y en la madrugada Mathías Goeritz recogió todas las sillas plegables y las amontonó, exclamando: “Ustedes no entienden, pero lo que  estoy haciendo es una escultura”, presenciada por esos genios enfrente del Teatro Degollado, ese fue nuestro Renacimiento porque somos sus hijos artísticos de ese grupo de arquitectos.-

¿Cuando fue su primera exposición de pintura?

-Fue en el vestíbulo de la Facultad de Arquitectura cuando cursaba el segundo año, la solicité al director, arquitecto Ponce Adame, los caballetes los hizo José, el de Intendencia y quien tenía dos cuervos entrenados que hablaban. Tiene mucha historia esta exposición.-

-Tu grupo y el mío éramos muy “Grillos”,  en el segundo año pusimos a Arturo Lomelí como presidente de la Sociedad de Alumnos,  organizados por Alejandro Chávez Rodríguez, “El Tuco”, quien emprendió un concurso de pintura con 500 pesos para el primer lugar, 300 y 200 pesos para el segundo y tercero. Gané el primero y el tercero pero nunca me entregaron los 700 pesos, una considerable cantidad en ese tiempo.- Ja, ja, ja.

¿Hábleme del Salón Independiente en Guadalajara?: -Era una idea maravillosa porque se juntaron los hermanos Grú, Cuevas, Casillas y otros del Distrito Federal con interesantísimas exposiciones. Por gestiones del arquitecto Guillermo Oropeza, primer director de la Galería Torres Bodet, antes Galería Municipal de Guadalajara, se inauguró invitándolos a realizar unos murales efímeros en los portales de la fachada, pero se convirtieron en permanentes, hoy es el Centro de Arte Moderno frente al monumento a los Niños Héroes.- Continúa…


Arquitectos Zacarías Páez y Francisco Sánchez López durante la exposición “Reconocimiento Facial” en Festival Alfonso Ortiz Tirado de Álamos. Fotografía cortesía del pintor Lorenzo Valenzuela de Pótam.

Escultura “Pájaro de Fuego” del Arq. Mathías Goeritz en Guadalajara.

Escultura “Las Torres de Satélite”, del Arq. Mathías Goeritz en el Distrito Federal. Tomadas de Wikipedia.com.

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Platica de Arte con la Artista Marlenloss del Pitic.

Escrito por arkisanchez 29-12-2017 en Pintura. Comentarios (0)

Estimados bloggers: De visita en este estado fui al Centro de Culturas Populares e Indígenas en cuyo vestíbulo estaba ella, recargada sobre el muro emanando magnífico porte de artista, mientras iniciaba la inauguración de la exposición “Rostros Indígenas” de la artista María Tarazón. Una vez concluida, le inquirí su nombre y cuál de las obras le gustaba más.

-Soy Marlenloss, artista de Hermosillo, contestó. (Firma artística de Dulce  Marlen López Sánchez)

¿Dónde estudió pintura?

-Con los maestros Francisco Leñero y Franco Tosca y licenciatura en Artes Visuales en Línea las técnicas de óleo, acrílico y acuarela.-

¿Qué pinta?

-Rostros a la acuarela.-

Mostrándome varios de ellos en la pantalla de  su celular, notándose buena escala y trazo a lápiz; otros a la acuarela con manchas en matices rojas y negras. Me impactó el retrato con un tercer ojo. Le comenté ver una influencia o que me recordaban las hermosas figuras femeninas de la artista Marcela Campa, quedándose sorprendida.

¿En cuáles teorías trabaja y que piensa de su arte?

-El Expresionismo y Figurativo tienen mucho que ver en mi obra en cuanto a la acuarela y poco Surrealismo porque doy toques de manchas un efecto muy peculiar, uso mucho la mirada porque dice muchas cosas con ella y se puede ver un poquito melancólicas, pero son un poco sutil con el color  para que no se miren así, melancólicas, dependiendo el tema que trabajo.-

Le indiqué que por lo observado en ellas nada tiene de melancolía si se refiere al estado de ánimo de tristeza. Para luego ella añadir: -Es lo que toda la gente comenta de ellas en Hermosillo.- 

Pues no te dejes influenciar, exige usar otro término.

¿Cómo está el movimiento plástico en Hermosillo?

-El arte tradicional está un poquito quedando a un lado por el arte Conceptual que nos están empapando con nuevo simbolismos y técnicas que estoy aprendiendo pero me aferro al tradicionalismo. Está calmado en cuanto a exposiciones pero lo bueno son los seminarios y diplomados ofrecidos por el MUSAS.-  (Museo de Sonora en las Artes)

Le expuse que el artista José Luis Cuevas refirió: “¡Son babosadas lo del arte Conceptual!”, cuando visitó Ciudad Obregón en el año 2009.

 -Mire, si puede decirlo, yo pensaba igual que él, que son tonterías, pero le  pregunté al maestro Ganado Kim en un performance sobre la migración.-

-¿Cómo puede ser arte un pantalón tirado?-

Me contestó: “Ahora lo que es arte, es el símbolo, lo que deja la esencia. Con ese pantalón te acordaras de la migración y queras hacer algo… No tienes que dejar la pintura tradicional porque hay museos para todos y no tienes que rechazar lo conceptual sino apropiarse para nueva formas de creación”.

¿A cuales artistas admira en Hermosillo?

-A Gustavo Osuna, a Ethel Cook por la forma de manejar el simbolismo y la mancha que impacta. Me identifico con algunas de obras y texturas que tiene como esencia, su manera de expresarse es única y sincera. A Helga Krebbs, experimental, surrealista y algunas de sus obras con estambre, su trabajo es buena escuela.

¿Cuál es su nicho en el arte?

-La acuarela y el manejo de la mancha porque me gusta remarcar más, que salgan del ojo, es la expresión que me llena y es mi estilo, pues.-

¿Vive de la pintura?

-Sí, vivo de ella, doy clases y espero hacer más prótesis oculares, Ja, ja, ja.- 

¿Qué es eso?

-Son ojos artificiales que les pinto las iris en acrílico con pigmentos antiguos sobre material dental para gente que no tienen ojos. Son como mini esculturas.-

Le indiqué la diferencia entre una acuarela limpia, hecha con arte de la transparencia y la sucia, usando el color negro con tinta china  u otros materiales.

-¿Me está diciendo que no pinte lo mio, pues?-

No, no lo pretendo, puede pintar libremente lo que usted quiera, si usa la transparencia, su creatividad no tendrá límites en rostros más estéticos y no plásticos aceptables, excepto tu imaginación y sin cambiar de estilo. En Sonora la acuarela es diluir  pigmentos en agua para cubrir superficies planas. La sucia la usamos los arquitectos desde los 1960 en perspectivas y puede usar materiales industriales de desecho en tus composiciones.

¡Los artistas somos narradores de formas en colores estéticos!

De esto se trata todo, si queremos que nuestro arte sea exhibido en galerías y museos de arte moderno de prestigio en el mundo Occidental.

Artista MarlenLoss con las obras favoritas de la exposición “Rostros Indígenas” de  María Tarazón en Ciudad Obregón.

,Artistas del pincel, Marlenloss, Luz del Carmen Félix, Gladis Félix y María Tarazón.

María Tarazón, Marlenloss y el Arq. Francisco Sánchez López

Fotografía  por Francisco Sánchez López. ¡No me las roben!

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El Arte del Grabado por Héctor Zamora en la Ruta de Arte Tetabiakte.

Escrito por arkisanchez 26-12-2017 en Grabado. Comentarios (0)

Estimados bloggers: Con un cordial saludo déjenme contarles que “Breve historia del ojo” fue una exposición inusual de grabado digital por el diseñador gráfico Héctor Zamora mostrando buena calidad en sus obras.

Su lectura de sala, refirió: “Enmarca en un sistema que comprende el ojo como instrumento unificador de elementos gráficos con temas eróticos y la relación de la muerte ligados libremente, invitando al espectador a crear una narrativa y discurso: El autor maneja formas y símbolos con grado de aislamiento y abstracciones”.

Desde la óptica de la crítica de arte los grabados que equilibraron el valor artístico con el valor estético, por consiguiente los más bellos fueron: “Fértil”, “Equilibrio” y “Epílogo”.

Los mejor logrados: “Historia del ojo”, “Latente”, “Introspección/Génesis”, “Disolución”, “Ciclos”, “Dualidad” y “Contemplación/Ocaso”.

En su inauguración en el vestíbulo de la Biblioteca Pública “Jesús Corral Ruiz”, Nallely García García, encantadora maestra de ceremonias, leyó sus semblanzas ante Ana Laura Aguilar y Sergio Inzunza, añadiendo éste: -Son obras que valen la pena, no me imagino a la sociedad sin cultura que mueve sentimientos y pensamientos.-

El autor, nos ilustró con: -Están basados en una novela que es un estudio de símbolos, engloban ideas linealmente presentadas, su lectura es importante.

Diseñador gráfico Héctor Zamora en su exposición “Breve historia del ojo”.

Inauguración de la exposición: Maestra de ceremonias Nallely García Garciá, Héctor Zamora, Ana Laura Aguilar y Sergio Inzunza.

Nallely García García admirando sus obras favoritas.

Nallely García Garciá en un recorrido emocional por la exposición.

Nallely García Garciá y su mamá María Elizabeth García.


Carmen Ramos Zurita y Héctor Zamora.

Público asistente a la exposición “Breve historia del ojo”.

Fotografía  por Francisco Sánchez López. 

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Arquitecto, Fotógrafo, Artista del Arte del Realismo Mágico, Ecologista protector de ballenas en el mar de Cortés,  Periodista Cultural en crónicas y críticas de arte en el suplemento Quehacer Cultural del periódico El Diario del Yaqui de Ciudad Obregón, Sonora, México.

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